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Cette installation se tourne vers les pionniers et leurs recherches sur les procédés photochimiques de sorte à ré-actualiser ces derniers et les réinventer au présent. Cette oeuvre se base sur la méthode de James Clerk Maxwell sur le mélange additif des couleurs qui a produit la première photographie en couleur en 1861. Le procédé consiste à placer des filtres rouge, vert et bleu devant l’objectif de l’appareil photo, transformant une image en noir et blanc en une exposition subtilement teintée. Dans cette pièce, Viktoria Schmid utilise trois boucles 16mm représentant des nuages, filmées à travers des filtres rouge, vert et bleu, puis projetées à travers un filtre de la même couleur sur trois écrans décalés. L’écran le plus proche présente un triptyque avec chaque couleur présentée séparément ; lorsqu’elle traverse un deuxième écran translucide plus éloigné, les images se chevauchent, les nuages glissant les uns sur les autres ; enfin, le troisième écran opaque présente les trois couleurs en une seule image, point culminant du processus. Une installation sculpturale qui dirige l’intérêt vers chaque composant individuel. Et si la pellicule couleur cessait d’exister ? L'artiste se pose cette question et tente d’y répondre en se tournant vers le passé...
— Kim Knowles

L'installation de Viktoria Schmid bénéficie du soutien du Forum Culturel Autrichien et du Ministère fédéral de la république d'Autriche.

« Man with Mirror est une performance qui utilise un film, un miroir et un interprète. La performance originale de 1976 portait sur l’illusion de l’espace au cinéma et j’étais à la fois sur le film et en direct puisque j’étais facilement disponible. Avec le temps, cependant, la performance a pris une dimension supplémentaire — avec moi-même comme protagoniste involontaire. »

« Cette performance physique avec de la pellicule transforme le vélo en caméra. L’idée m’est venue à partir des méthodes de mes anciens professeurs qui réalisaient des films et des performances à partir d’outils "féminins" tels que la machine à coudre et le landau, afin d’exploiter les caractéristiques que ces objets partageaient avec l’appareil cinématographique. Cette oeuvre poursuit ma recherche sur la façon d’enregistrer l’image sur la pellicule sans utiliser de caméra, et implique la visée, l’équilibre et la pression. Cela attire l’attention sur la faillibilité du corps humain, et s’écarte ainsi de l’efficacité et de la régulation mécaniques. »

Tower of the Winds (La Tour des vents) est une horloge octogonale en marbre, surnommée de manière apocryphique « la première station météorologique ». Il s’agit d’une combinaison de cadrans solaires, d’une horloge à eau et d’une girouette - à ne pas confondre avec la Tour d’Hercule en Galice, le plus ancien phare encore existant. La tour éolienne de Bruce McClure représente métonymiquement un sabre électrique qui nous transperce à la vitesse des sons lumineux. Est-ce que l’expression « sons lumineux » constitue une contradictio in terminis ? Oui, bien sûr, et la « VÉRITÉ » mérite également d’être reconnue. En faisant référence à l’industrie cinématographique sous le nom de Hollywood, vous utilisez également une métonymie en appelant un sujet par un nom qui lui est équivalent. Le projecteur de cinéma est l’instrument préféré de Bruce, car il possède une signification distincte de sa définition littérale. Le projecteur produit des images parfaites à chaque fois, au service du projectionniste et du public. La Tour des vents a été nominée pour une statuette aux Oscars (copyright en 1975) dans toutes les catégories actuelles, mais le public lui a décerné le titre de « Best In Show ». Entre-temps, Bruce McClure a reçu une mention honorable pour une démonstration imaginative d’un instrument ancien qui ne nécessite aucune répétition ou essayage de costume. En effet, personne ne sait avec certitude de quoi il s’agit réellement. Les projections n’ont ni début ni fin, du moins pas dans le sens le plus large du terme.

Filmé et projeté en 16mm, le dernier opus de Gaëlle Rouard se déroule en deux actes. D’abord « Prélude », où l’intrigue s’ancre dans un paysage en ombres chinoises, irisées, pleines de sensations. Foisonnement d’herbes hirsutes, et parmi elles la touche rose d’un chardon se détache et se goûte comme un bonbon acidulé, tel le papillon qui le butine. Chaque plan se contemple comme un tableau vivant, clair-obscur, Rembrandtesque. La vie s’incarne dans l’émulsion tel un commencement. Pourtant ce sont les ténèbres et la mort qui invitent à la méditation, comme nous l’indique « Oraison », le titre du deuxième acte. Le prisme du celluloïd révèle les perceptions, il donne à voir la poésie et la force narrative de l’abstraction. Une belle métaphore du cinéma argentique que Gaëlle Rouard élabore dans son propre laboratoire. Elle y expérimente depuis de longues années des techniques particulières qui rendent son travail unique.

Le musicien et les cinéastes sont sur scène, faisant face au public. Deux miroirs installés dans la salle reflètent les images sur un écran placé derrière eux. Sons et images sont travaillés en direct. La Cellule d’Intervention développe une idée de jeu entre image et son, le projecteur cinéma étant appréhendé comme un instrument au même titre que le magnétophone à bandes. Du cinéma pour les oreilles, de la musique pour les yeux.

La Cellule d’Intervention Metamkine est formée de Christophe Auger, Xavier Quérel et Jérôme Noetinger. Leurs performances allient projections 16mm et musique électroacoustique, dans la grande tradition du « cinéma élargi ». Depuis 1987, ils ont présenté leur travail dans plusieurs festivals, cinémas, galeries et espaces indépendants, en France, en Europe, au Canada et aux États-Unis, au Japon et en Australie.